グレン・グールド 二つのフーガの技法

グレン・グールド(1932-1982)は、J.S.バッハ(1685-1750)のフーガの技法をオルガンとピアノの両方で録音している。この曲は、4段のオープンスコアで書かれており、楽器の指定がないために当時あったハープシコードだけではなく、弦楽四重奏をはじめ、オーケストラや金管楽器でさえも演奏されている。アンサンブルではどの演奏者も目の前の楽譜の音を出す義務を果たそうとし、自己主張を捨て去ることがないので、結果として平板な演奏になりがちだなと主は思っている。

グレン・グールドがこの曲を録音した時期は、オルガンが1962年(コントラプンクトゥス(=フーガ)第1番-第9番)、ピアノが1967年(第9、11、13番)と1981年(同第1、2、4、14番)である。あいにく、どちらも全曲を録音しているのではないが、どちらも十分に聴きごたえがある。というか、グールドが愛したバッハの中で最も評価していた曲であり、両方とも他の演奏者の追随を許さず、傑出している。その二つの楽器によるグールドの演奏だが、オルガンとピアノではイメージが180度違う。

まず、オルガンの方は、速いテンポで弾きとおし非常に聴きやすい。また、オルガンは鍵盤を抑えている間は同じ強さの音が継続する楽器であり、音価(音符の長さ)一杯にレガートで演奏するのが一般的なのだが、グールドはデタシェ(ノンレガート、スタッカート)を基調で始め、終盤の山場に差し掛かるにつれてレガートな奏法も使うことで迫力を出している。オルガン曲といえば、バッハの「トッカータとフーガニ短調」を思い浮かべる人が多いだろう。高音部のメロディーで始まり、轟々と鳴り響く低音のペダルの音で圧倒する。そうした演奏とはあまりにかけ離れているので、グールドの1967年のレコードが発売された時は非難轟々だったらしいが、オルガン演奏のスタイルを覆し、曲全体の良さに感動する。グールドは、どの部分部分を聴いても常に良いのだが、全体を聴いた時に違った発見があるように、楽しめる演奏をする。グールドのこのオルガンの演奏は、第1曲から第9曲まで(終曲は第14番で未完である)なのだが、第9曲にここまでの総決算のような趣があり、クライマックスを迎え全曲を聴きとおしたかのような満足感が得られる。

ピアノの方は逆に、非常に遅い。それも他のアンサンブルやアーティストより圧倒的に遅い。グールドより遅い演奏はおそらくないだろう。遅く演奏することは、テンポを保つことが困難になるため早く演奏するより難しい。グールドはそれができる。それだけ遅く演奏すること、また複数の旋律のうち強調するものを入れ替え、レガートとデタシェの両方で歌わせることで、悠久感というか宇宙の広がりのようなものを感じる。特に未完で終わる終曲の第14番は、3つのパートからなるのだが、パートごとに雰囲気が変わり、天上のメロディーともいえる美しいメロディーが出て来たり、倦むことがない。スコアの上で和音になっていても、同時に鳴らすことはまずない。目立たせたい音をわずかに早く弾き、他の音をずらして弾き、なおかつ、レガートで弾くメロディーとデタシェで弾くメロディーを区別しながら線が繋がっていく。

グールドが1963年にディヴィッド・ジョンソンとの対談で次のように語っている。「・・・ピアノでは、ある特定の声部のうちでは絶対的であるにもかかわらず、しかもなお同じ型のデュナーミク(音量の強弱表現)に一致しないといった、そういう関連性によって思考することができるからです。いい換えれば、ソプラノにある一連の動機をしかじかの強さで演奏し、アルトにある別の動機を、ある小節ではソプラノより3分の1だけ少ない強さにして、ソプラノを支えるためにその下に滑り込ませ、次の小節ではその逆をやる、といったことができるわけです。・・・」

人間の指は10本しかない。しかしながら、その10本の指でグールドは4つの旋律を弾き分ける。強さ、長さを区別して4種類の旋律を弾き分ける。

下のYOUTUBEのフーガの技法第1曲(楽譜は最後にある)を見ていて発見したのだが、アルトから始まり5小節目にソプラノが入ってくる。これをグールドは右手一本で弾き、左手はバスが入ってくる9小節目から弾き始める。右手だけで弾いている8小節の間は、いつものように左手は指揮をしている。

これに対して、次のリンクである福間洸太朗の演奏ではアルトで始まる最初の部分を左手で弾き始め、ソプラノが入ってくる5小節目に早くも右手を使い始める。

もちろん、福間洸太朗の演奏も非常にうまいのだが、この曲に限らず進行するにつれて複雑になる。その時、グールドのように片手で二つの旋律を同時に引き分けることができるというのは並大抵なことではない。というか、こんな演奏家は他にいない。

最後にグールドのモットーというかキャッチフレーズ、彼の芸術観を書きたい。「・・・・芸術の目的は、神経を興奮させるアドレナリンを瞬間的に射出させることではなく、むしろ、少しづつ、一生をかけて、わくわくする驚きと落ち着いた静けさの心的状態を構築していくことです」- この「わくわくする驚きと落ち着いた静けさ」は英語の “wonder and serenity” から来ているのだが、一生の目標が単に “serenity” だけでなく”wonder”を伴っているところが、実にグールドらしい。

おしまい

Glenn Gould-J.S. Bach-The Art of Fugue (HD) 広告の音量に注意!

バッハ/フーガの技法 コントラプンクトゥス1・2/演奏:福間 洸太朗

フーガの技法 第1曲

J.S.バッハを墓場から掘り出した男  「フーガの技法」聴き比べ グールド、シャオメイ、高橋悠治

グレン・グールドが弾くピアノ版の「J.S.バッハ(1685-1750)フーガの技法」は主が最も好きな曲の一つだ。グールド自身、この曲について面白いことを言っている。音楽のスタイルが世紀(100年間)で見ると、流行りすたりがあり、ベストな曲は一番流行っていたスタイルの曲の中にあるのが一般的だが、バッハが活躍した18世紀の最大の名曲「バッハ・フーガの技法」は、その時代の流行スタイルにまったく背を向けた曲だという意味のことを言っている。バッハは時代を先取りするどころか、頑固なまでに時代に取り残され前時代の遺物に拘っていたというのだ。参考までにWIKIPEDIAには、この曲を「クラシック音楽の最高傑作のひとつ」と書ている。バッハの時代は、フーガの様な多声音楽を意味するポリフォニーの時代からから、メロディー重視の和声音楽を意味するホモフォニーの時代へと向かっていた。にもかかわらず、バッハは新時代へと向かう息子たちとは違い、フーガの様な多声音楽にこだわり続けたのだ。

この曲は、バッハがオープンスコアで楽譜を書いており、かつ、楽器を指定していない。オープンスコアというのは、一つの五線譜に全ての声部を書くのではなく、4段になった五線譜に声部ごとに記譜したものを言う。このため様々な解釈があり、弦楽四重奏やオーケストラ、チェンバロ、ピアノ、オルガン、管楽器でも演奏されているし、ジャズバンドが演奏することもある。

バッハ 平均律クラヴィーアのオープンスコア 4段になっている

主もこの「フーガの技法」はいろいろな楽器や編成のもので聴いている。下にリンクしたのは、ヨーヨーマが弦楽四重奏のライブ演奏なので、実際に聞いてもらえると嬉しい。この演奏では最初の主題の1曲目と未完で終わった最終のフーガだけを演奏している。この曲を全曲演奏すると1時間以上になるため、中間の曲をすっ飛ばしているのだが、17曲(自筆譜と初版で曲数は異なるらしい)で構成される曲の中でもこの2つがベストとも言えるので、このように大胆なことをしているのだろうと思う。ちょっと地味な感じがするかもしれないが、主は大好きだ。

ここで独りで演奏するのではなく、アンサンブルで演奏する場合との印象の違いを書いてみたい。主は、音楽家は基本的に楽天主義者の集団だと思っている。間違いなく、音楽家に悲観主義者はいない。演奏をさせると、肯定的にしっかり自分の音を主張する。しかも、控えめという選択肢は多くの場合ない、と思う。このため、一人で演奏したものの方が、曲のまとまりとしては明らかに統一性を持っていると思う。 言い方を変えると、アンサンブルで演奏したものは、自分の担当する声部を常に目立たせようとし、主役にならなくてよい時まで主役になりたがり、フーガの特徴である、声部の声部の「応答」「掛け合い」が減じてしまいがちな気がする。もちろん、違う楽器でこの「応答」の妙技を聴かせるものがあるのは当然だが、独りで演奏すると4人で演奏するように各声部を強い表現で演奏することは絶対にできない。一人でやるとどこに表現の重点を置いて、逆に言うなら、どこを弱く演奏するか自分で判断することになる。 このため、ピアノ演奏は音色、音域、ダイナミズムなどの表現力で他の単体の楽器と比べると図抜けており、ピアノ1台の演奏が、この曲の素晴らしさと、演奏者の狙いや世界観、解釈が最も的確に表現されると思う。

では、具体的に3人のピアノの「フーガの技法」を比べてみよう。比べると言っても、主は、完全に「グールド押し」なので、ベストはグールになるのはご容赦願いたい。比較するためにまず、最初に出てくる主題(1曲目)の演奏時間を調べる。

本当は全曲でも調べたいのだが、この曲は諸説あり、演者によって微妙に全曲数が違うことや、未完の曲(曲の途中で突然終わる!)のために「恐らくこうだろう」という曲を付け足していたり、冒頭にコラール(讃美歌)を入れている例もあり、バラバラなのだ。

  • グレン・グールド(pピアノ.1番は1974年の録音、7曲録音しているうち3曲は1967年の録音):4分51秒  
  • シュ・シャオメイ(p,2014年):2分55秒 
  • 高橋悠治(p,1988年):2分47秒 
  • コンスタンチン・リフシッツ(p,2010年):3分13秒 
  • トン・コープマン(cem =チェンバロ,1979年):3分21秒 
  • グスタフ・レオンハルト(cem,1987年):4分14秒 

あまりに狙い通りなので、アンサンブルも調べてみよう。

  • ジュリアード弦楽四重奏団(1987年):4分10秒 
  • Sit Fast(弦楽四重奏団,2011年 日本人演奏者も入って結構いい)4分29秒 
  • ベルリン古楽アカデミー(弦楽+チェンバロ他合奏,2009年):3分13秒)

以上からわかるように、グールドの演奏が一番古く、また、一番遅い。

グールドはオルガン版(1962年に録音)も弾いており、恐らくピアノを弾けない体調の具合などがあったものと思うが、1番から9番までを非常にあっさりした演奏で弾いている。ピアノ版(レコード向けに1967年と1974年に録音)の方は7曲だが、最大の大曲である14番の未完のフーガが含まれており、緊張感が漲る驚くべき表現力だ。余談だが、1967年に録音された3曲は残念ながらかなり録音状態が悪い。

まず、遅いという点に関して思うところを述べたい。主は、グールド以前にどのような演奏があったのか知らないが、速弾きで有名なグールドは、遅く弾けるということも大きな特徴だ。一定以上に遅く演奏するのは非常に難しい。なぜなら、破綻が耳に聴こえてしまうからだ。リズムを一定に保ち、音をしっかりコントロールしながら緊張を保つのは、非常に高度な技術がいる。これは他の音楽家にはない才能だと主は思っている。グールドが演奏する音は、すべてコントロールされている。アンサンブルは比較的遅いものが多い。アンサンブルは指揮者がいるし、誰かのピッチが揺れたとしてもソロほど大きな問題にならないだろう。しかしソロ演奏では、グールドのように遅く弾きたくとも不可能なのだろうと思う。出来るだろうが、売り物にならない。

次にグールドの演奏が一番古い点について考える。下のリンクによると、グールド以前の録音は、ヘルムート・ヴァルヒャ(cm,1956年)のみだ。実際の初演は1927年、ゲバントハウス管弦楽団なのだが、バッハの没後実に177年経っている。1955年にバッハの「ゴールドベルグ変奏曲」で、彗星のごとくセンセーショナルなデビューを果たしたグールドだが、それまでバッハは演奏されないことはなかったものの、堅苦しい面白味のない宗教音楽だと考えられてきた。この概念をグールドは覆したのだ。バッハを墓場から掘り返したのは、グールドだと言って過言でない。このことを敷衍すると、今のバッハの流行はすべて根本のところにグールドがあると言って良いと思うし、グールドに続いてバッハ演奏する人たちは、真似をしているか、少なからず影響を受けていると思っている。http://classic.music.coocan.jp/chamber/bach/fugekunst.htm

下はYOUTUBEからだが、1979年に映像用に収録されたものだ。グールドは1982年に亡くなっているので、非常に草臥れた姿が映されている。彼の姿勢の悪さや陶酔(エクスタシー)の様子は、音楽に対する特異性が端的に出ていて一見、一聴の価値がある。

ようやくシュ・シャオメイと高橋悠治を登場させよう。高橋悠治の「フーガの技法」は、主が20代終わりの頃(約35年前)に買ったCDでよく聴いていた。主は学生運動が終わって以降の世代だが、高橋悠治はこの運動の闘士達に好まれていると聞いていた。ちょっと屈折したインテリっぽい感じを主は受け、膝を抱えて部屋の隅っこに向かい自分の傷口を舐める、そんな時には最高にフィットする。ちょっと言い過ぎたが、独特の時間スピード、世界観があって気安いところが好ましい。演奏スタイルは、声部が良く分かれているが、グールドは声部でスタッカートとレガートを弾き分けたり、強弱が入れ替わったり変化を常につけている。高橋は全体にどの曲も、同色っぽく、それが好ましく感じる人も多いと思う。

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2004年発売CDジャケットの高橋悠治

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中国上海生まれのシャオメイ

シャオメイは、ピアノ版のフーガの技法を主が前から買いたいと思っていたところ、たまたま行ったタワーレコードで見つけたものだ。このCDは結構当たりだ。とても良い。まず、2014年の録音なので音がいい。アコースティックな美しい響きは何とも言えない。 声部が非常に上手く分かれており、曲の起伏や強弱のつけ方が自然で、なおかつ、攻守が上手に交代しており、説得力がある。グールドと違うのは、他のピアニストも同様だと思うが、いろんな声部の音が同時に重なっているとき、グールドは基本的に和音として打鍵していないように思う。もちろん、重ねて同時に弾いた方がいい場合は、そのようにしているが、複旋律(ポリフォニー)として独立して聴かせたいときは、別に聞こえるように弾いている。また、フォルテであっても指を鍵盤に叩きつけるような和音を出さない。 だが、この人の弾く「フーガの技法」は何と言っても、曲全体の構成力がある。原曲の魅力を余さず引き出すのに成功している。グールドのコンサートへ行けない今、シャオメイのコンサートへ行ければ幸せだろう。

次のYOUTUBEなのだが、1983年のNHKのラジオ放送で日本人の室内楽団員達による「フーガの技法」を分かりやすい解説とともに生演奏で聴くことができる。とても分かりやすい解説と良い演奏を聴くことができる。演奏者は、徳永ニ男(ヴァイオリン)山崎伸子(チェロ)小林道夫(チェンバロ)他とのことだが、錚々たるメンバーだ。これを聴いて、この曲がバッハの没後実に177年!(1927年)経って初演されたということ知った。スキップボタンを押すと、2/12に移り、再生できる。このままではオルガンによる「フーガの技法」が流れる。

おしまい

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