チェンバロリサイタルは最前列で。 辰巳美納子リサイタル・東京文化会館小ホール

1月29日(金)、東京文化会館小ホールで行われた辰巳美納子のリサイタルへ行ってきた。曲目は、バッハのフランス組曲第5番とゴルトベルク変奏曲の2曲である。

この小ホールは649席ある
開演前、休憩中ともずっと調律している

上の写真が開演前の様子である。コロナの真っ最中で、公演中止を心配していたのだが、無事開かれ、観客席は3分の1くらいが埋まっていた。

チェンバロは、おそらく鍵盤楽器では最古参だろう。金属製の弦を張り、爪が弦を引っ掻いて、音が出る仕組みになっている。鍵盤を強く叩いたからといって大きな音が出るわけではなく、優しく弾いても音量が小さくなるわけでもない。音量も小さい。そのため、楽団と合奏すると埋もれがちだ。 しかし、繊細で美しい音色が最大の魅力の楽器だ。

主は、熱烈なコンサートファンではないので、お好みのプログラムの時に、チケットの値段がほどほどのコンサートに出かけている。オーケストラの場合、S席などより、むしろホールの後ろの方とか二階席の方でも、音響設計が良くされているので問題はないし安いので、こういう席を選んでいる。今回も、足が延ばせるという理由で、中央右側の端っこの席を選んだ。鍵盤楽器の場合、演奏者が舞台に向かって左側に座るので、左側の方が手の動きが見えてよいのだが、左側は人気があり、選択できなかった。

チューニングを聞きながら、「この楽器、これはすぐ近くで聴くに限る。」と思った。大音響が出る楽器は、反響音により後ろの席のほうがよく聞こえるのだが、チェンバロは音自体が繊細で小さく、間近で聴くのが良い。

また、常にチューニングが必要なようで、20分間の休憩の間も、調律師がずっとチューニングをしていた。

そもそもこの楽器は、ヨーロッパの貴族が室内で楽しんだ楽器だ。大きなホールで民主化さとれた大衆どもが聴く楽器ではない。 というわけで、主は、コロナのせいで観客席が空いていたこともあり、休憩を挟んでほぼ最前列に移動して聴いていた。 同じように考えた観客もいるらしく、周囲には何人かステージ近くに移ってきた人がいたようだった。

この日のプログラムは、前半がバッハのフランス組曲第5番、後半がバッハのゴルトベルク変奏曲だった。

バッハは、鍵盤楽器のために有名なところでは、パルティータ集、フランス組曲、イギリス組曲、トッカータをそれぞれ6曲ほど作曲している。トッカータは、1楽章形式で、アドリブ的で奇想的な曲である。パルティータ集、フランス組曲、イギリス組曲が、当時のダンスミュージックである舞曲を何曲も組み合わせて作られた大曲である。

フランス組曲も素晴らしいのだが、やはりパルティータが全体としてのまとまりをよく考えて作られており、さらに大曲という趣がある。

辰巳美奈子のゴルトベルク変奏曲の感想を書いてみる。

何といっても、

① 演奏時間がめちゃ長い。

おそらく、80分間以上演奏していたが、グールドの倍程度になるはずだ。原因は簡単で、おそらく反復を全部しているからだ。グールドは、溌剌とした1955年のデビュー録音が38分、瞑想的な1981年の再録音が51分である。反復は、「1955年にはグールドは一切のくり返しをしなかったが、1981年には、カノン9曲と厳格な対位法の変奏曲4曲で、前半のみを繰り返した。」(「グレン・グールド神秘の探訪」 ケヴィン・バザーナ:サダコ・グエン訳 478頁)と書かれており、この日の演奏はちょっと冗長だ。グールドの2回の録音は、長短あるが、いずれの場合にも、極端に遅い演奏と極端に早い演奏が組み合わさっており、きわめて刺激的だ。

辰巳美納子の演奏も、現代的で明るく楽しい演奏を繰り広げているのだが、古楽器を使って楽譜に忠実に、当時のままに演奏しようとしているのかと思えるフシもあり、強いて言えば、指向性がはっきりしない。おそらく、彼女は、古楽を忠実に演奏するより、現代的で楽しくこの曲を演奏しようと考えているのだろうと思うのだが、さらにメリハリがほしい。冒頭のアリア、最後のアリアなどは極端にゆっくり弾いて欲しいし、疾走するところは疾走して欲しい。

逆に、グールド以前の大御所であるワンダ・ランドフスカ(1879年 – 1959年)の演奏のように、博物館にあるような年代物の演奏を、現代の今やったら、それはそれで面白く値打ちがあるだろうと思う。

要は、その人なりの「狂気」がないと面白くない。グールドは、音高と音価(=楽譜上の音の長さ)は変えていないが、拍子や速度記号を無視し、場合によっては音符も加えている。

② この日のパンフレットに「鋭い感性と自在な表現で全体を支える通奏低音に定評がある」と書かれていた。伴奏ともいえる通奏低音をホメるというのは、パンフレットとして、どうなのかなと思った。しかし、通奏低音のリズム感は安定していて、こういうことなんだと納得する。聞いていて安定していて、とても気持ちが良い。もちろん、他の声部もなかなか良かった。 

③ このゴルトベル変奏曲は、最初と最後のアリアの間に、30曲の変奏曲が挟まるのだが、最後の方に近づくにつれ、クライマックスに近づくのが感じられ、最後の変奏曲、クオドリベット(=宴会などで行う、複数人がそれぞれちがう歌を同時に歌う遊び:Wikipedia)で爆発する、その感じがよく出ていた。

このクオドリベットは、当時の俗謡が2曲入っていて、楽しくてとても聞きやすい。それまでのバッハの小難しさが消えて、すっかり楽天的になる瞬間である。ある意味、この曲はクオドリベットが出てくるまでが辛抱であり、この曲の到来で辛抱から解放され、最終的に、再び静かで美しいアリアの円環に戻る。

そう考えると、アリアに戻るところは、もっとゆっくり、極端にゆっくり、じっくり聴かせたらどうなんだろう。 しかし、終わりよければすべて良し。とても、感動的で、楽しめる演奏だった。観客も大きな拍手を盛大におくっていた。 主は、アンコールになにか、最低もう1曲を弾いて欲しかった。

おしまい

指揮カラヤン vs バーンスタイン グレン・グールド「ベートーヴェン・ピアノ協奏曲第3番」聴き比べ

グレン・グールドは、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第3番をバーンスタイン指揮、コロンビア交響楽団による正規録音(1959年5月、ニューヨークコロンビア30丁目スタジオ)の他に、カラヤンとベルリンフィル交響楽団とで1957年5月にライブ録音を残している。

その他にも、1955年の彼のデビュー作「バッハ・ゴルトベルグ変奏曲」の録音直前に、カナダのテレビ局CBCで放送されたハインツ・ウンガー指揮で行ったものもあるようだが、残念ながらこちらは聴いたことがない。

この3つを並べてみると、グールドの出世譚がよくわかる。すでにカナダ国内で人気があったものの、その人気は国内に限られていた彼は、1955年のゴルトベルグ変奏曲の録音が一躍ブレイク、ベストセラーとなり、一夜にして世界一流ピアニストの仲間入りを果たした。

世界中で、ハンサムな人気ピアニストとして、VOGE(ヴォーグ)などの女性誌でも人気沸騰、あっという間にスケジュールが奪い合いになり、1957年に最初のヨーロッパ演奏旅行に出る。この時、東西対立を続けていたソ連各地で演奏を行い、戦後ソ連で初めて公演を行った西側のピアニストとして、また、東西陣営の「雪解け」を象徴するものとして、大成功を収める。

ソ連の聴衆は、グールドの弾くポリフォニー(複数の旋律が独立した多声音楽)が明晰で、自然で理知的な解釈のバッハ、シェーンベルク、ウェーベルンなど初めて触れる西側の現代音楽を聴き、おおいにたまげる。

レニングラードで行われたコンサートでは収容人員の2倍の客が、通路にまで溢れ、バッハとベートーヴェンのピアノ協奏曲2曲の演奏後の休憩時間に、アンコールの拍手が鳴りやまず、とうとう指揮者スローヴァックは、その後に演奏を予定していた《リストの交響詩》の演奏を取りやめ「私は家に帰った方がよさそうだ。演奏会はグールドが終わりにしてくれるから。みんな最後の管弦楽曲など聴く気がないらしい。」と言い、舞台に再びピアノを運び込ませ、予定のなかったグールドは、帰り支度のコート姿のまま、ピアノ独奏の《アンコール・マラソン》で応えた。

そのソ連公演に引き続き、ドイツへ移動したグールドは、ベルリンで3晩連続で、この年49歳のカラヤンとこの曲を共演する。グールドわずか25歳、飛ぶ鳥落とす大御所のカラヤンとの共演である。

このカラヤンとの演奏、コロンビアの正規録音であるバーンスタインとの演奏の双方が、YUTUBEにあるのでうしろに貼り付けた。実際に聴いてもらえると嬉しい。

この2曲を聴き比べると、カラヤンとバーンスタイン(とグールド)の両者の考え方の違いがよくわかる。カラヤンは、この曲を、いかにも大曲、大袈裟、力強く豪勢に演奏するつもりだ。また彼は、グールドの意向を尊重するつもりは全然なく、「さあ、やってごらん!」という感じで、自分の主張を貫きとおしている。ただ、惜しいのは、この1957年のカラヤン版の録音は、ライブ録音であり、客の咳払いも入っているし、モノラル録音で状態があまり良くない。

この曲は、3楽章あり、勇壮で激しい第1楽章アレグロ・コンブリオ(陽気に速く)、ゆったりと美しい第2楽章ラルゴ、ゆったりとはじまりフィナーレで再び勇壮に盛り上がる第3楽章モルトアレグロ(非常に速く)。そのいずれでも、グールドはオーケストラの存在感に負けることなく、出すぎることもなく、美しいピアノの存在感をずっと保っている。

第1楽章はオーケストラの全奏(トッティ)が極めて男性的に演奏された後、グールドが入っていくのだが、グールドも最大限このオーケストラの演奏に合わせている。

グールドのピアノの弾き方は、普通、手首を指先より下において指の独立だけで弾くフィンガータッピングという弾き方をして、手全体を鍵盤に振り下ろす弾き方をしない。このため、フォルテッシモを出せないという批判があり、それがロマン派のチャイコフスキーやメンデルスゾーンを弾けないのだと言われることがある。(何千人も入る大ホールで演奏すると、どうしても爆発的な大音量を出し、有無を言わせず観客を黙らせたくなる心情は、良く分かる。)しかし、なかなかどうして、ベルリンフィルに負けず劣らず爆発するような音で弾いている。 こうして聴いてみると、グールドは爆発するようなデカい音を必要とする、ロマン派の協奏曲も恐ろしい表現力で弾けただろうと思えるし、楽しませてくれただろうと思うと非常に残念だ。

もちろん、グールドの良さは、そのような強烈なオーケストラに負けない大音量だけではなく、むしろ、ゆったりしたフレーズで気持ちのよりリズムを刻みながら、多声をはっきり区別しながら見事に歌うところにある。しかし、この曲の演奏では、最後の部分、オーケストラと一体となった見事なめちゃ盛り上がったフィナーレを聴かせる。カラヤンも十分に満足しただろう。(カラヤンもなかなか色っぽいですね。)

一方、バーンスタイン版。こちらはカラヤンのような強引な圧迫感がない。第1楽章はカラヤンよりゆっくり、抑え目で始まる。このように穏やかに初めの数小節が始まると、のちのちの展開も決めてしまい、冒頭で曲全体の印象が決まるのかもしれない。バーンスタイン版の方は、強引さがない。ある意味民主的。しかし、理知的で説得力があり美しい。何とも言えない切ない美しさがある。

このバーンスタインとグールドは、ブラームスのピアノ協奏曲第1番の演奏をめぐって、表現が適当だかわからないが、「衝突」したことがある。ブラームスのピアノ協奏曲第1番は、流麗で豪華絢爛な曲として演奏されるのが一般的なのだが、グールドは第1楽章を極端にゆっくり演奏するとこで、交響曲全体が統一されたリズムで結ばれ、より一体感が生まれると主張した。そのような演奏は、田舎くさく牧歌的で、前代未聞であり、バーンスタインは承服できない。バーンスタインは、グールドの主張どおりの演奏をすることにしたのだが、観客を前にして、演奏前の舞台から一席ぶったのである。「指揮者とピアニスト、どちらがボスか?」「ぼくは、承服できないが、才能のあるグールドの言うことだからそれを信じて、そのように演奏します。みんなびっくりしないでね。・・・」まあ、そんな感じ。 この演奏は、音楽批評家たちからもさんざんに言われ、後にグールドがコンサートを開かなくなる要因の一つになったと言われている。

ただ、グールドの協奏曲の演奏全般を聴いていると、ヴィルトーゾたるピアニストが、オーケストラを向こうに彼らをねじ伏せる的な演奏を良しとしていなくて、ピアノ協奏曲をなるべく、ピアノ伴奏付きの交響曲のように弾きたい意思を持っているのは明らかだ。彼は、協奏曲に限らず、どんな曲でも、全体としてベストなものを聴かせたいと常に考えていた。 伝統的なピアノの名人芸はそのようなものでなく、男性と女性、正と邪、静と動、陰と陽などの二項対立を原動力にして、曲の推進力にする者が多いが、グールドはそうではなった。

恐るべきなのは、彼はベストな演奏をするために、作曲家が書いたスコアさえもベストでないと判断すると、修正して演奏したことである。よく、彼は「再作曲家」と言われるのだが、これが理由だ。普通、音楽家はスコアを読み込んで、スコアに忠実に絶対と考えた上で、楽器の特性はもちろん、時代背景なども調べて、作曲された時代を忠実に考えることが普通である。作曲家が書いた曲に不足があると考え、楽譜を改ざんするというのは、グールド以外もやっているのだろうか? 非難されこそすれ、手を加えているというのは聞いたことがない。

グールド研究者であるケヴィン・バザーナの「グレン・グールド演奏術」に、この曲の1楽章にあるベートーヴェンが書いたカデンツァ(協奏曲のなかで、ピアノが独奏する部分)にグールドは手を加えていると書かれている。

ケヴィン・バザーナ「グレン・グールド演奏術」から

上が、その本に出てくるグールドの弾いたカデンツァの一部分である。グールドは、原典になかった低音部のメロディを書き足して弾いているということだ。

ただし、カデンツァは作曲者が書いている場合もあるが、ピアニストが作曲する場合も多く、協奏曲の場合には、カデンツァは演奏者の技量だけでなく、音楽性も伺えるハイライト、お楽しみというべき部分で、部分的に改良してもさほど違和感はない。

しかし、ここにはグールドの感性が良く表れており、グールドは右手の旋律だけを重視するショパン弾きなどを「右手の天才」とか言ってバカにしており、右手だけで美しく弾く演奏は嫌いであり、他の旋律が隠れているとか、どの旋律も対等に扱われ、攻守が変わるような曲が好きだったのは間違いがない。

おしまい

グレン・グールド 楽譜の理解の仕方 & ベートーヴェンを弾く前

グールドに関する本を読めば読むほど、グールドって変わった音楽家だったんだと思う。グールドとグールド以外と言っていいくらいに、グールドは違っている。

彼は「再作曲家」と言われることがあるのだが、音高とリズムだけはおおむね守ったものの、それ以外は楽譜を重視しなかったようだ。「グレン・グールド演奏術」(ケヴィン・バザーナ著、サダコ・グエン訳、白水社)に書かれているのは、グールドが「印刷された楽譜のページに記載されたすべてのもの、つまり音符とそれを補足するための音楽用語や記号など、演奏するさい、作品の輪郭をはっきりさせるものすべて」をどのように演奏するかについて、演奏者の自由裁量に委ねられるべきと考えていた。主は、グールドが批判的に考えていたモーツアルトに限ったことだと思っていたが、バッハでも他の作曲家でもそうらしい。グールドは曲(楽譜)を絶対視せず、曲に改善の余地があると考えると積極的に手を加えていた。

そうした彼のエピソードを二つ紹介したい。
一つは音楽を学ぶ学生に向けて語ったもので、もう一つはまだコンサートを開いていた時分、ベートーヴェンのピアノコンチェルトを弾くにあたっての、彼の態度である。

ひとつめ。先に引用した「グレン・グールド演奏術」に、1964年トロントのロイヤル音楽院の卒業生のための講演や、1980年のインタビューで、「お互いの意見や演奏をききあうのは止めなさい」「自分でよく理解し、それなりの見解を持つ前に、あるいは自分の見解をもたずに、同輩の意見や演奏をきくことは、ピアノ演奏の伝統において継続してきた事柄を無反省に受け入れることになってしまうと思う。そして個人としての価値を強く主張するのが困難になるのは確かである」というグールドの発言を紹介している。

おなじく同書で、グールドは「心の耳」(the innner ear of the imagination)ということを言い、「これの『創造のための着想すべて』を生み出す『背景となる、計り知れないほど大きな可能性』の重要さを強調し、演奏者は、知識その他学習によって獲得したものに抑制されぬよう、そして新しい可能性を発見するために、常に現存しないもの、および潜在するものを意識しつづけなければならないと考えていた」と書いている。

バザーナは別のところでこうも言っている。「グールドは、演奏者はスコアに書かれたことに忠実でなければならぬという前提をいとも簡単に拒否したが、それは過去二世紀にわたるクラシック音楽の習慣を支配した価値を拒否したことになるのである」

ふたつめ。「グレン・グールド変奏曲」(ジョン・マクリーヴィ編・木村博江訳、東京創元社)は、グールドの死後間もない1983年に友人たちがグールドの記事を寄せたものだ。このなかに、ニューヨーカー誌のライターであるジョセフ・ロディが、グールドがまだコンサート公演を行っていた1950年代、カーネギーホールで行われたバーンスタインの指揮によるニューヨークフィルとのベートーヴェン・ピアノ協奏曲2番のコンサートの様子を書いている。

ジョセフ・ロディが、午前中のリハーサル後にグールドがホテルへ戻る様子を描いている。「今晩はホールへは9時半近くまで入らないつもりだという。これは演奏予定時刻の数分前であり、コンサートの前半を聴きたくないというのだ。ベートーヴェンのピアノ協奏曲を弾く時には、その前にオーケストラで別の曲は絶対に聴きたくないというのがその理由だった。」「バッハを弾く場合は、その前にシュトラウスでも、フランク、シベリウス、ジュークボックス ― 何でも聴けるんですけどね。でも、ベートーヴェンの前には何もだめです。弾く前に自分を繭(まゆ)みたいなものの中に閉じ込めないと。目隠しをした馬のような感じで出て行くんです。午後は、ベッドで過ごしますよ。風邪をひきそうなんでね」

そして、7時30分、「グールドはベッドから起き上がると、それまで着けていた二組のミトンをはずし、協奏曲の二度目の演奏にとりかかった。部屋にはピアノがあったが、触ろうとはしなかった。その代り、歩き回りながらソロのパートを指で弾き、オーケストラのパートをあごで指揮し、その両方を声高く歌った。これより騒がしくない、手を(お湯に)浸す儀式が8時半頃に始まり、およそ1時間続いた。グールドの出番の1、2分前に、彼はカーネギーホールに着いた。そのいでたちは、まるで北極の氷原を抜けて長期旅行に出かけるようだった。三重、四重のえり巻やコート、毛皮製品の下から現れた彼は、いつものだぶだぶの礼服姿だった。白いチョッキの下に、グールドは分厚い縄編みのセーターを着ていた」

音楽への献身の徹底ぶりは、あまりにも凄いですよね。

おしまい

 

 

 

 

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